Энциклопедия для детей. Т. 7. Искусство. Ч. 2. Архитектура, изобразительное и декоративно-прикладное - Аксенова Мария Дмитриевна. Страница 97
В 60-х гг. XIX в. Уистлер увлёкся японским искусством. В частности, он начал собирать гравюры японского художника Кацусики Хокусая. Живописец заимствовал у японских мастеров яркий цвет, статичность композиции. Это полотно — яркая иллюстрация его увлечения. Женщина в чёрно-красном кимоно (национальной японской одежде) сидит на полу около низкого столика и рассматривает гравюры, разбросанные вокруг. Рядом с ней золотая ширма, цвет которой контрастирует с зеленоватым цветом пола. Натурщица не похожа на японку, а интерьер лишь отдалённо напоминает японский дом. Здесь всё — маскарад, игра, живописная фантазия.
Вначале лондонская публика встретила Уистлера вполне приветливо. На выставке Королевской академии искусств было показано полотно «У рояля» (1858–1859 гг.), отвергнутое во Франции. Но, выставив через три года картину «Девушка в белом» (1862 г.), художник столкнулся с уже знакомой реакцией публики. В частной галерее на Бейкер-стрит работу не заметили, на выставку Королевской академии её не приняли. В Париже Салоном 1863 г. картина также была отвергнута. Тогда Уистлер вместе с Гюставом Курбе, Эдуардом Мане и другими мастерами, также не принятыми в Салон, решил выставляться в специально выделенном для них императором Наполеоном III помещении. Так Уистлер попал в «Салон Отверженных». Наибольшей критике подверглись «Завтрак на траве» Мане и «Девушка в белом» Уистлера. Эта живопись казалась незаконченной, грубой и лишённой привычной академической гладкости. Уистлер стремился найти гармоничное единство большого числа оттенков белого цвета, поэтому один из критиков даже назвал её «симфонией в белом». В дальнейшем художник часто называл свои работы музыкальными терминами.
В 70-х гг. XIX в. художник написал несколько портретов, в которых, так же как в своих пейзажах, попытался найти сочетание тонов, наиболее точно отражавшее впечатление от модели. На портрете женщина в чёрном платье сидит в профиль, меланхолично глядя вдаль. Этот образ отчуждён и одинок, как может быть одинока только старость. Серебристо-серая тональность картины полностью соответствует её настроению.
Это прославленное собрание английской живописи XVI–XIX вв. и современного искусства Европы и США носит имя основателя — промышленника Генри Тейта (1819–1899). В 1894 г. он подарил государству шестьдесят семь картин (в частности, «Офелию» Джона Эверетта Миллеса) и три скульптуры британских авторов XIX в. На его же средства вскоре было возведено музейное здание на набережной Темзы. Двери нового музея распахнулись для посетителей в августе 1897 г.
Первоначально предполагалось, что галерея Тейт станет филиалом Национальной галереи, где разместятся произведения английского искусства XIX в. В первую экспозицию вошли собрание Тейта и пятьдесят семь полотен Рейнолдса, Гейнсборо, Констебла и других выдающихся английских художников, подаренные Национальной галерее коллекционером Робертом Верноном. Восемьдесят пять полотен были приобретены на средства фонда, основанного в 1841 г. скульптором Фрэнсисом Чантри, чтобы создать музей английского искусства.
В 1917 г. в галерею Тейт были переданы из Национальной галереи первые произведения зарубежного искусства — тридцать девять картин французской школы: «Музыка в Тюильри» Эдуарда Мане, «Зонтики» Огюста Ренуара, работы Клода Моне, Эдгара Дега и др. На пожертвования частных лиц приобретены полотно «Подавальщица пива» Мане, композиции Винсента Ван Гога, в том числе знаменитые «Подсолнечники», «Купание в Аньере» Жоржа Сёра, картины Анри Руссо, Анри Матисса, Пабло Пикассо, Жоржа Брака.
В 1937 г. в галерее Тейт открылся зал скульптуры с произведениями Огюста Родена и Аристида Майоля.
В годы Второй мировой войны музейные фонды продолжали пополняться. В 1939–1945 гг. было приобретено или получено в дар свыше четырёхсот памятников искусства, в их числе работы Уильяма Блейка, прерафаэлитов, Василия Кандинского, Амедео Модильяни, Марка Шагала. В 1946 г. галерея Тейт совместно с Национальной галереей искусств (Вашингтон) провела выставку «Американская живопись с XVIII в. до наших дней». Это было первое серьёзное знакомство европейской публики с искусством США.
Сейчас в фондах галереи Тейт хранится свыше сорока тысяч произведений — это самое большое художественное собрание Лондона. В 1987 г. к её корпусам пристроено новое крыло — так называемая галерея Клор. Здесь размещён «музей одного мастера» — почти полное художественное наследие Джозефа Меллорда Уильяма Тёрнера (триста картин и свыше двадцати тысяч рисунков и акварелей), завешанное автором государству в 1851 г.
К концу 60-х гг. художник полностью посвятил себя пейзажу. Его привлекали сумерки, время тонких полутонов и множества синих оттенков. Но тональность работ никогда не повторялась, и в каждом случае Уистлер находил особое цветовое решение. Таковы виды Темзы: «Ноктюрн [123] в синем и зелёном. Челси» (1871 г.), на котором море сливается с небом в единую синеватую гамму; «Ноктюрн в синем и серебряном. Огни Креморна» (1872 г.) со вспышками фейерверка в тумане над Темзой; «Ноктюрн в синем и золотом. Мост в Баттерси» (1872–1875 гг.), где изысканный силуэт моста растворяется в сумеречной мгле. По мнению современника, в этюдах Темзы Уистлер «достиг тогда высшей точки своего искусства по совершенству техники, лёгкости и гибкости штриха, жизненности целого».
В поисках нужного тона художник заранее смешивал краски. Этот процесс длился иногда несколько дней. Вместо палитры он использовал крышку полированного стола. К концу сеанса стол превращался в месиво красок и напоминал его пейзажи. Уистлер долго работал над своими полотнами, часто соскребал нанесённый красочный слой и заново писал не понравившееся место, но в законченной вещи всегда стремился к ощущению лёгкости, непринуждённости.
Это обманчивое впечатление заставило Джона Рёскина обвинить живописца в том, что цена полотен завышена и не соответствует вложенному в них труду. Разразился скандал, закончившийся судебным процессом. В 1878 г. Уистлер впервые в истории европейского общества подал иск в защиту прав художника. Он писал адвокату: «Предмет спора заключается не просто в личных разногласиях между мной и мистером Рёскином, но это бой, который ведут художники… а Уистлер в данном случае является Дон Кихотом». Художник выиграл процесс, но судебные издержки оказались велики. Всё его состояние: картины, коллекция японских гравюр, дом — пошло с молотка.
Один из лучших портретов Уистлера — изображение двенадцатилетней девочки. Он писал его долго, в течение семидесяти сеансов (как и другие работы). Художник сам придумал фасон платья и специально заказал коврик Всё в этом портрете тщательно продумано и связано в ансамбль. Однако кажется, что событие мимолётно и сцена случайна. Героиню портрета сравнивали с «маленькой белой бабочкой, на минуту опустившейся с трепещущими крылышками».