Энциклопедия «Искусство». Часть 1. А-Г (с иллюстрациями) - П. Горкин А.. Страница 5

И. К. Айвазовский. «Радуга». 1873 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Кроме марин, Айвазовский создавал пейзажи с видами гор и степей, тематические картины, но в истории искусства он остался прежде всего поэтом моря. В «Радуге» (1873) художник обращается к своему любимому романтическому сюжету: буря, тонущий корабль, люди в шлюпках. Но вставшая над морем радуга даёт надежду на спасение. Картину отличает сдержанная, тонко сгармонированная серовато-жемчужная красочная гамма.

И. К. Айвазовский. «Чёрное море». 1881 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

В одной из лучших работ – «Чёрное море» (1881) – нет шторма, тонущих кораблей, только небо и море. Природные стихии являют себя в сверхчеловеческом величии. Медленно, но мощно катятся волны безбрежного моря. Надвигается гроза, по небу ползут сизо-серые тучи. Айвазовский передаёт всю богатейшую гамму оттенков морской воды: от серебристо-голубых, зелёных, розовых до фиолетовых и иссиня-чёрных в глубине. На горизонте едва заметен парусник. Эта крошечная «точка» вдали даёт почувствовать одиночество и быстротечность человеческой жизни на фоне вечной природы.

В последние годы Айвазовский посвящает серию картин А. С. Пушкину: «Прощание Пушкина с морем» (1897), «Пушкин у Гурзуфских скал» (1899). До конца жизни художник сохранял светлый ум и творческое вдохновение. Всего он создал более 6 тыс. картин. Одна из последних – грандиозное полотно «Среди волн». Айвазовский выбрал такую близкую точку зрения, что, кажется, волны перехлёстывают через край полотна, являя величественную картину вечного и бесконечного движения жизни.

АКАДЕМИ?ЗМ (франц. academisme), направление в изобразительном искусстве, возникшее под эгидой художественных академий 16-19 вв. и основанное на следовании внешним формам и приёмам искусства античности и эпохи Возрождения. Отобранные в наследии прошлого традиции, признанные классическими, были переработаны в систему правил, по которым предписывалось создавать картины и скульптуры. Практически это выражалось в повторе и комбинировании формальных приёмов, признанных «наилучшими» в произведениях разных эпох. В результате главным творческим методом становится эклектика: академические произведения прямо «цитировали» отдельные фигуры или целые группы, предметы или куски пейзажа из знаменитых, часто разновременных, творений великих мастеров прошлого.

В. П. Верещагин. «Осада Троице-Сергиевой лавры в 1608 г.». 1891 г. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург

Академизм, наиболее ярко проявивший себя в 19 в. (А. Канова в Италии, Д. Энгр во Франции; в России в первой пол. 19 в. Ф. А. Бруни, П. В. Басин, А. Т. Марков; во второй пол. 19 в. П. П. Чистяков, Г. И. Семирадский, К. Е. Маковский), базировался «на руинах» исчерпавшего себя классицизма. Противопоставляя «высокое» искусство «низкой» действительности, выработал отвлечённые, «вечные» нормы красоты, обращался к сюжетам, далёким от реальности (в основном из мифологии и Священной истории). Создавались подчёркнуто идеализированные образы, чему способствовали условность и театральность композиции, жестов и поз. Главное внимание уделялось рисунку; цвету отводилась роль раскрашивания фигур и предметов. Академизм утверждал себя в борьбе с зарождавшимся романтизмом, а позднее – с реализмом; однако, когда эти направления набирали силу, стремился вобрать в себя некоторые их внешние формы. Поздний академизм второй пол. 19 в. во многих своих проявлениях смыкается с салонным искусством.

А. Д. Литовченко. «Иван Грозный показывает сокровища английскому послу Герсею». 1875 г. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург

АКАДEМИИ ХУДOЖЕСТВЕННЫЕ (от греч. akademia – школа, основанная философом Платоном в священной роще Академ вблизи Афин), учебные и научно-творческие центры (чаще всего государственные) в области пластических искусств, а также высшие художественные школы. Академии впервые возникли в Италии в 16 в.: «Академия идущих по истинному пути» в Болонье, основана братьями Лодовико, Агостино и Аннибале Карраччи в 1585 г.; Академия Св. Луки в Риме, основана живописцем, представителем маньеризма Ф. Цуккаро в 1593 г., всего ок. 500 академий. В 1648 г. была организована Королевская академия живописи и скульптуры в Париже, по образцу которой в 17-18 вв. создаются академии в Вене (1692), Берлине (1694), Лондоне (1768), а также Петербургская академия художеств в России (1757). Обучение в академиях преследовало цель сохранения традиций античности и эпохи Возрождения в искусстве, следования классическим образцам.

АКАДEМИЯ ХУДOЖЕСТВ В ПЕТЕРБУ?РГЕ, см. Петербургская академия художеств.

АКВАРEЛЬ (от лат. aqua – вода), особая техника, занимающая промежуточное положение между живописью и графикой. Художник-акварелист работает водорастворимыми красками по бумаге или картону. Связующим веществом в акварельных красках является гуммиарабик. Акварельные краски легко смешиваются с водой, растекаются по поверхности бумаги, требуют большой осторожности в работе. Белый фон бумаги в акварельной технике изображает свет и пространство, что является особенностью графических техник. Водорастворимыми красками работали художники Древнего Египта и Китая, средневековые миниатюристы и художники эпохи Возрождения (Ж. Фуке во Франции, А. Дюрер в Германии). Акварель долгое время использовали как вспомогательную технику для подкрашивания гравюр и рисунков. С 16 в. она становится популярной в самых разных странах. Блестящими акварелистами были французские художники 18 в. О. Фрагонар и Г. де Сент-Обен. В 18-19 вв. акварель переживает небывалый расцвет в Англии, становится её своеобразной «национальной техникой» (Д. Констебл, У. Тёрнер).

Д. М. У. Тёрнер. «Тёмная река». Акварель. 1832 г. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

Английские акварелисты не применяли белила, краски накладывались прозрачным слоем, сквозь который просвечивала бумага. В местах самых сильных бликов бумага оставалась нетронутой в своей белизне. Главное изобретение английской классической акварели – увлажнение бумаги. Краски растекаются по поверхности сырой бумаги, образуя эффектные расплывчатые пятна, чудесно передающие туманные дали, облака. Эту особенность акварели У. Тёрнер впервые использовал как художественный приём. Русские художники первой пол. 19 в. (А. А. Иванов, К. П. Брюллов, П. Ф. Соколов и др.) работали акварелью более сухо и строго.

А. П. Брюллов. «Портрет Е. П. Бакуниной». Акварель. 1830-32 гг. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Сначала художник осторожно накладывал первый слой краски, обозначая основные цветовые и тоновые отношения. Следующий слой можно было наложить лишь тогда, когда высохнет предыдущий. В классической русской акварели в одном пятне никогда не смешивались разные цвета. Художники второй пол. 19 в. (И. Е. Репин, В. И. Суриков, М. А. Врубель), напротив, подчёркивали в своих работах текучесть и светоносность акварельных красок. Мастера «Мира искусства» и В. А. Серов часто пользовались смешанной техникой, соединяя акварель с гуашью и темперой.