История мировой культуры - Капица Федор Сергеевич. Страница 62

Колокола широко используются и при исполнении музыкальных произведений. В современном оркестре они превратились в ударный инструмент, обычно представляющий набор колоколов различных размеров и относительно точной настройки. Для достижения большей чистоты тона и портативности в настоящее время вместо колоколов применяются иногда металлические трубы или бруски. Они используются во многих произведениях самых различных жанров – опере («Иван Сусанин» М. Глинки и «Хованщина» М. Мусоргского), симфониях («Богатырская симфония» А. Бородина), хоровых произведениях («Колокола» С. Рахманинова).

Кроме колоколов в оркестре применяются и колокольчики – набор хроматически настроенных металлических пластинок.

КОЛОКОЛЬНЯ – башня с открытым ярусом для колоколов. Ставилась рядом с храмом или включалась в его композицию. Русские колокольни имели различную форму (круглую, восьмигранную и др.), частично покрывались высокими шатрами с главкой, с XVI–XVII веков возводились ярусные колокольни (Колокольня Троице-Сергиевой лавры, 1741–1769). Эти сооружения становились высотными композиционными центрами в архитектурных ансамблях кремлей, монастырей, иногда городов. В Италии колокольня называлась кампаниллой и представляла собой четырехгранную или круглую многоярусную башню, стоящую отдельно от храма. Распространена в итальянской архитектуре средних веков и эпохи Возрождения. Пример кампаниллы – знаменитая «падающая башня» в Пизе.

В древнерусской архитектуре для подвешивания колоколов использовались два вида архитектурных сооружений. Наиболее широко распространена колокольня – надстроенное над храмом или поставленное рядом с ним шатровое или башенное сооружение с проемами для подвешивания колоколов. Значительно меньше распространена звонница. Она имела вид небольшой стены или вытянутого прямоугольника, в кладке которого делались специальные проемы для колоколов. Звонницы наиболее широко распространены на севере России.

КОЛОННА – основной элемент несущей конструкции архитектурных ордеров, имеющий цилиндрическую форму. Возникла как простейший элемент стоечно-балочной конструкции. Колонной мог служить ствол дерева (крито-микенская культура) или стебель лотоса, папируса, пальмы (Египет).

Колонна могла быть частью здания или стоять отдельно. В последнем случае она обычно увенчивается скульптурой и служит памятником (Александровская колонна с фигурой ангела). В этом случае колонна является своеобразной подставкой для статуи. Отдельно стоящие колонны использовались и как дорожные указатели.

Колонны бывают монолитными (храм Аполлона в Коринфе) или собранные из нескольких частей (барабанов), поставленных друг на друга. Обычно колонна сужается кверху, иногда получая при этом криволинейные очертания или «припухлость» (энтазис), и украшается вертикальными желобками – каннелюрами, спиралевидными канавками, а также различными изображениями, орнаментом. Ствол колонны обычно покоится на простой или сложной подставке – базе – и увенчивается капителью. Нижний барабан капители также украшался фигурами или орнаментом.

В истории архитектуры колонны сыграли свою роль как важный элемент композиции фасадов и внутреннего пространства зданий. Они выполняли как практическую, как и художественную функцию, поэтому имели значение и пропорции колонны, и характер обработки, и соотношение высоты и диаметра колонны с размерами всего сооружения. В ряде случаев колонны использовались в качестве опор для арок или сводов.

Фигура, заменяющая колонну, называется кариатидой или атлантом. Ряды колонн, объединенных горизонтальным перекрытием, образуют колоннады. Чаще всего они являются переходным звеном от окружающего здание пространства к интерьеру. Снаружи к зданию примыкает ряд портиков или галерей, которые и соединяются с ним посредством ряда колонн. Иногда колоннада может связывать несколько зданий в единое архитектурное целое. Внутри здания колонны обрамляют большие залы, организуя ритм парадного интерьера.

Иногда колоннада используется и как самостоятельное сооружение (преимущественно в садово-парковой архитектуре).

КОЛОРИТ (лат. color – цвет) – система цветовых сочетаний в произведениях изобразительного искусства. Закономерное сочетание цветов помогает глубже выразить замысел художника, передать его настроение, богатство и красоту окружающего его мира, раскрыть внутренний мир персонажа.

Одним из средств передачи является прием валёра (от франц. valeur – букв, цена, ценность) – передача последовательной градации света и тени в пределах какого-либо цвета. Его применение позволяет тоньше и богаче показывать предметы в световоздушной среде, достигать особой глубины и богатства колорита, тонкости цветовых отношений и переходов. Классический образец валёра – картина «Лунная ночь на Днепре» А. И. Куинджи.

Главное, исходное свойство колорита – богатство и согласованность цветовых оттенков, передающих многообразные свойства предмета. Исторически сложились две традиции в его трактовке. Одна происходит от традиций средневекового искусства и основана на применении системы из ограниченного количества цветов. При этом каждый цвет несет и определенную символическую нагрузку. Например, красный означает мученическую смерть, зеленый – надежду, синий – божественную чистоту. Носителем этой традиции является, например, иконопись.

Для второй характерно стремление как можно ярче, точнее и полнее передать цветовую картину мира с использованием тона, валёра и рефлексов. Для обогащения колорита используется также лессировка – нанесение тонких или полупрозрачных слоев краски для достижения нужной интенсивности цвета.

Колорит может быть теплым (преимущественно красные, желтые, оранжевые тона) и холодным (синие, зеленые, фиолетовые). По характеру цветовых сочетаний – спокойным и напряженным, по степени насыщенности и яркости цвета – ярким и блеклым, светлым и темным.

Создание колорита – настоящее искусство. Не случайно лучшими колористами всегда были выдающиеся художники – Д. Веласкес, Я. Вермеер Дельфтский, Тициан, Ж. Шарден, К. Коро, В. Суриков, И. Левитан, И. Репин. Вот почему И. Крамской говорил: «Художник-колорист в настоящем смысле слова находит на палитре именно тот тон и цвет, какой есть в действительности или какой он большему числу людей кажется».

В скульптуре и архитектуре также очень важна система цветовых отношений. Но там она обычно называется полихромией.

КОМИЧЕСКАЯ ОПЕРА

Этот жанр возник в конце XVIII века в Италии как своеобразная реакция на появление серьезной оперы (opera-seria). Таковы «Свадьба Фигаро» (1796) В. Моцарта, «Сокол» (1786). Классическими считаются «Фальстаф» Дж. Верди, «Любовь к трем апельсинам», «Дуэнья» С. Прокофьева.

Для комической оперы характерен несложный, обычно романтический сюжет, завершающийся счастливым концом. Поэтому и музыка ее ближе к бытовой, популярной, а арии по характеру приближаются к песням. Действие всегда развивается быстро, динамично, основывается на недоразумениях, размолвках, путаницах и сопровождается розыгрышами, сюрпризами, переодеваниями. Основное содержание раскрывается не в музыкальных номерах, а в разговорных диалогах, которые часто произносятся под музыку, речитативом.

По мере распространения в странах Европы комическая опера изменялась, впитывая приемы и образы различных литературных и театральных жанров. В Германии появился зинпппиль (дословно – представление с песнями) – спектакль, в котором сочетались вокал и драма, смешные сценки и дуэты героев. Во Франции обязательной частью комической оперы стали танцевальные сцены, в Италии – черты традиционной комедии масок. Такова, например, опера Г. Доницетти «Любовный напиток».

КОМПОЗИЦИЯ – важнейший организующий элемент любого произведения искусства, с помощью которого объединяются в единое целое все его компоненты, изобразительные средства и реализуется замысел художника. Поэтому основное качество композиции – логичность, четкость формы и соотнесенность частей. Прямое значение этого слова и происходит от лат. compositio – составление, соединение, связь.